L’intérêt général manifesté autour de la Duchesse de Cambridge et de la mort d’Alexander McQueen, semble avoir rehaussé le profil de la mode londonnienne.

Selon une étude de Global Language Monitor, Londres a maintenant pris la place de New York comme capitale mondiale de la mode en 2011. Cet analyste de tendance basé au Texas, suit la récurrence des mots et des phrases dans les médias imprimés, électroniques et sociaux.

La ville a bénéficié de beaucoup plus d’intérêt de la part des médias, et on se risque à dire qu’il a été entretenu par le suicide du styliste britannique Alexander McQueen, et par l’engouement envers Kate Middleton suite à son mariage avec le Prince William en avril dernier.

Celle-ci est maintenant considérée comme une icône de la mode internationale, et elle apparaît même sur la 72^e liste annuelle des ‘personnes les mieux habillées’ du magazine Vanity Fair. Elle est continuellement acclamée pour son style – un mélange de mode de haut niveau et de niveau plus courant – qui a été porté à l’attention des médias au cours de son premier déplacement royal à travers le Canada et l’Amérique du Nord.

Pour Alexander McQueen, plus d’un an après sa mort tragique il continue de faire les grands titres avec une exposition à New York qui retrace son travail, exposition qui se classe parmi les 10  plus visitées de l’histoire du Metropolitan Museum, vieille de 141 ans. Une forte opinion publique demande que l’exposition se déplace à Londres, lieu de résidence et d’inspiration de McQueen.

Bien sûr, ces deux personnages publics populaires étaient aussi réunis pour la très attendue  robe de mariage de Kate réalisée par Sarah Burton, le bras droit de McQueen et directrice artistique de la marque après sa mort. La robe a aussi prouvé être la principale attraction de Buckingham Palace depuis son ouverture au public le mois dernier.

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L’art et la science sont deux entités différentes n’est ce pas ? Traditionnellement peut-être, mais ces deux éléments différents sont unis de façon incomparable au Musée des Sciences Naturelles de la Caroline du Nord, pour une nouvelle exposition innovante intitulée ‘’Our Expanding Oceans’’ c’est-à-dire ‘’nos océans en expansion’’.

L’exposition comprendra la travail de l’artiste Mary Edna Fraser, pionnière en son genre, dont les œuvres ont été présentées dans les musées et les galeries en Amérique et à travers le monde. L’exposition de l’artiste américaine explore la relation entre les changements climatiques et la planète, avec une importance particulière mise sur l’élévation du niveau des océans et la fonte des glaces.

Cette exposition exceptionnelle présente plus de 60 batiks sur soie, infusés de couleurs pour dépeindre les perspectives aériennes, conceptuelles et par satellite de l’environnement.

Ces tissus surprenants ont été teints à la main par Mary Edna Fraser, qui utilise une combinaison de techniques de teintures anciennes et modernes, et mettent en avant une interprétation visuelle étonnante des dégâts que le réchauffement climatique fait subir à notre planète.

Le scientifique Orrin Pilkey travaille aux côtés de Mary Edna Fraser. Il est directeur du programme sur l’étude des rivages aménagés dans la Division de la terre et des sciences océaniques à la Duke University, et auteur de ‘’Living by the Rules of the Sea’’ (vivre selon les lois de la mer), et de “The Beaches are Moving: The Drowning of America’s Shoreline.” (les plages bougent : la noyade du littoral américain).

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Traditionnellement, la bijouterie a plutôt été considérée comme un ‘artisanat d’art’ que comme art. Mais cette perception courante de la bijouterie, qui ne va pas de pair avec la peinture, la sculpture et la photographie, est en train de changer graduellement. En effet, un nombre croissant de musées d’art en Amérique utilisent cette niche décorative d’art moderne pour leurs propres expositions et manifestations.

De nombreuses grandes institutions d’art aux Etats-Unis, comme le Musée des Beaux-Arts de Virginie à Richmond, le Musée de l’Art à Dallas, et le Musée National de Design Cooper-Hewitt à New York, se sont engagées à présenter la bijouterie comme une sérieuse forme d’art, ce qui s’est avéré très populaire à en juger par le nombre de visiteurs que ces expositions ont attirés.

Se prononçant sur le changement d’attitude envers la bijouterie présentée comme une forme d’art dans les musées, Yvonne Markowitz, qui est devenue il y a 5 ans l’une des conservatrices de bijouterie à plein temps, et qui dirige les expositions consacrées uniquement à la bijouterie au Musée des Beaux-Arts de Boston, déclarait :

‘’C’est comme si la bijouterie était devenue l’enfant bâtard des arts décoratifs.  Mais maintenant cette attitude a changé’’.

En réponse à la demande et à la popularité croissantes d’expositions sur la joaillerie comme expression d’art, le Musée des Beaux-Arts de Boston (MFA) ouvre sa première galerie entièrement consacrée à la bijouterie, ce qui en fait la première galerie dans un grand musée d’art aux Etats-Unis qui lui soit uniquement dédiée.

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Cachée dans un enchevêtrement de grandes forêts de pins, de chênes et de cypès, de gorges caverneuses, de vignobles et de caves, on découvre en Provence la petite ville de La Garde-Freinet dans le département du Var, la voisine moins connue de la brillante Côte d’Azur.

Cet endroit tranquille et naturel a pourtant attiré un flot continu d’artistes où s’est développée une communauté artistique comparativement clandestine. Et c’est dans cette communauté, quoique furtive, qu’est installée la Galerie Aalders ouverte par le Britannique expatrié et maintenant local, Michael Aalders, qui a eu le rêve de servir à déjeuner et d’offrir un regard sur l’art dans les montagnes des Maures.

C’est dans les murs de la Galerie Aalders que l’on peut retrouver le travail de Brian Duffy, le célèbre photographe et producteur de film anglais, surtout connu pour ses photos de mode pendant les années ’60 et ’70, et plus spécialement pour l’image emblématique de David Bowie sur la couverture de l’album ‘Aladdin Sane’ en 1973.

A travers ses photographies de mode charismatiques, Brian Duffy résume l’ambiance des années ’60. A côté de Terrance Donovan et David Bailey, il est devenu un symbole de cette période progressive et alternative.

Depuis le décès de Brian Duffy l’année dernière, son travail a acquis encore plus d’importance et d’estime. En hommage au photographe révéré, la Galerie Aalders, dans ce coin relativement endormi de la Provence, présente une sélection de ses photos les plus séduisantes et exceptionnelles.

Cette exposition particulière a été mise en place par Chris Duffy, le fils de Brian Duffy, et par Mike Aalders qui collabora largement avec le photographe tout au long des années ’60 et ’70.

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En combinant photographie, film et animation, le bureau de design ‘The Digital Kitchen’ basé à Chicago, a créé dans le lobby du Cosmopolitan Hotel à Las Vegas une architecture d’effets spéciaux absolument unique.

Le design du lobby de l’hôtel est si extraordinaire, qu’il a remporté le Grand Prix du Design au cours du Festival International de la Créativité à Cannes qui s’est tenu en juin dernier. Et non contents d’avoir reçu les plus grands honneurs de ce festival prestigieux, le Cosmopolitan de Las Vegas et le design exceptionnel de Digital Kitchen ont également remporté le Lion d’Or dans la catégorie Offline Digital Design.

Quand on pénètre dans le lobby d’un hôtel, même s’il est ravissant, haut de gamme et classé 5 étoiles, on ne s’attend pas à faire face à une multitude de colonnes centrales enveloppées d’écrans. Ceux-ci montrent des images de corps en mouvement à l’intérieur de verres semi-transparents, ce qui donne une impression de volume et que quelqu’un se trouve véritablement dans ces colonnes.

Ce lobby impressionnant a été fait avec une mission, celle de ‘’créer une expérience sur le plan hôtelier comme il n’en existe nulle part ailleurs’’., et celle de ‘’donner au bâtiment même une personnalité, une perspective, une voix’’.

Anthony Vitagliano, Directeur Exécutif de la Création chez Digital Kitchen, indiquait que son bureau voulait que le projet et le lobby interpellent les clients de l’hôtel. Il expliquait qu’il voulait que les clients ‘’soient amenés à penser à l’association entre film, architecture et design d’intérieur’’.

En plus d’un essaim de colonnes d’images mouvantes et transparentes, le lobby se compose d’une multitude de miroirs, propulsant les visiteurs dans un réseau fluide d’imageries dans lequel, selon Anthony Vitagliano, ‘’vous ne savez pas où s’arrête le sommet du bâtiment et où commence le sol’’.

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